lunes, 7 de noviembre de 2016
lunes, 31 de octubre de 2016
Me ha salido un... FRIEDRICH!!!
Ganador del mes de octubre... Fer Gonzalez!!! Con esta fotografía que reinterpreta los amaneceres de Friedich... contrastes lumínicos que elevan el paisaje a la categoría de lo espiritual.
Enhorabuena y gracias Fer!!!
viernes, 28 de octubre de 2016
Reporter@s en... "Todo es de color"
Nuestra amiga Carmen Muñoz nos habla sobre la muestra que Florinda López Fernández de Cordova exhibe en The malone studio, en la Calle Pelayo de Madrid:
"Florinda es una pintora cordobesa que
colgó su toga y dejó su productivo estudio de abogada para dedicarse en cuerpo
y alma a la pintura. Los retratos hiperrealistas de florinda tienen reconocido
prestigio ya en Córdoba. y con seguridad con esta exposición este prestigio se
extenderá. Sus lienzos impactantes por sus generosas medidas, técnica,
realismo, sensibilidad y color, nos atrapan desde el primer momento."
Muchas gracias a Carmen Muñoz por esta recomendación y por enviarnos una foto de la artista en el día de la inaguración, a la que deseamos muchisima suerte en su carrera artística, aunque viendo sus obras le vaticinamos un futuro prometedor.
viernes, 21 de octubre de 2016
Reporter@s en... "Exposición antológica de Equipo Crónica"
La fundación Bancaja ofrece en Valencia una estupenda retrospectiva de Equipo Crónica, a la que nuestra seguidora Reme Vila, junto a un grupo de amig@s, ha tenido la suerte de asistir y disfrutar:
"Todas y cada una de las obras son espectaculares, te puedes tirar medio día con cada una de ellas, tratando de desvelar mensajes ocultos... vamos como el Bosco pero el siglo XX. Es impresionante, apabullante el gran formato, no se... yo voy a repetir y espero poder ir a una visita guiada y prometo contar más entonces. Hay una cantidad de obras enorme, no basta con una visita, sin duda"
Uno de sus acompañantes a la exposición, Marcos Faccio, nos escribía esta estupenda mini-reseña:
Uno de sus acompañantes a la exposición, Marcos Faccio, nos escribía esta estupenda mini-reseña:
"La exposición es espectacular, con obras que quizás no se
conocen tanto del grupo. Realmente, es como comenté, en una España de aquellas
décadas, es interesante ver como el grupo se vincula con la corriente pop
inglesa de Hamilton y hasta de Estados Unidos (Andy Warhol). Existe en
cada obra un gran discurso, ya sea implícito o subliminal, y hasta demasiado
explícito o arriesgado para aquellos tiempos. Estos mensajes políticos o
contenidos sociales, que ahora descansan de la represión del franquismo, nos
dejan obras de amplitud cromática, colmadas de reseñas de obras de grandes
maestros de la pintura y a su vez, hasta se podrían ver alusiones a autores más
contemporáneos, como Hopper.
La verdad es que visitarla es realmente un goce estético, con un pop muy
particular y original, y a su vez e indudablemente, una alternativa al
informalismo europeo. La introducción de elementos metafísicos (Chirico entre
otros) me recuerda a la responsabilidad del artista de Jean Clair, a esa
alternativa de la vuelta al orden, de sumergirnos en un discurso comprometido y
de la melancolía. Para mi, que he asistido a varias obras del grupo, esta ha
sido una de las mejores"
Muchísimas gracias por vuestras opiniones y comentarios tan enriquecedores, que hace que tengamos muchas más ganas de ir de la que ya teníamos!!! Os dejamos aquí el enlace que Bancaja ha dejado en flickr para que podáis ver algunas imágenes... Si tenéis la oportunidad, no os lo perdáis!!!
jueves, 20 de octubre de 2016
Las claves del Pop Art: Episodio III
Después de habernos introducido en los inicios del Pop Art en Inglaterra y su época de esplendor en Estados Unidos, llega la hora de ver qué pasó en España con este Arte tan peculiar y llamativo, porque recordemos que aquí se vivía en plena época franquista, con todo lo que eso suponía para el ambiente artístico del momento.
Luis Gordillo "Gran cabeza" (1965) |
Efectivamente, el régimen represor de Franco consideró las vanguardias artísticas como decadentes, e intentó "fabricar" un tipo de Arte genuinamente español: realista, religioso y glorioso, que no llegó a fraguar. Cuando el caudillo comprendió que debía abrirse al mundo exterior y entrar a formar parte de la ONU, no tuvo más remedio que mostrar síntomas de modernidad, por ejemplo apoyando ese Arte abstracto tan en boga en Estados Unidos, que en España apareció en forma del movimiento informalista (podéis leer más sobre este tema aquí). Esto, que en un principio fue acogido por la gran mayoría de artistas como un billete a la libertad, se convirtió en pocos años en otra forma más de dirigismo político, es decir, era un tipo de Arte auspiciado desde el régimen y, como reconocieron algunos de sus artífices, "vació de contenidos".
Aunque esta opinión es muy discutible, el caso es que hubo muchos ejemplos de artistas que trasmutaron su lenguaje informalista hacia una figuración narrativa, como es el caso de Luis Gordillo (Sevilla, 1934), que planteó sus nuevas propuestas reinterpretando el Pop Art desde la mirada del cine, de la música y del psicoanálisis. De hecho, sus Cabezas son el resultado de sus sesiones de psicoanálisis en Madrid, tras las que, según él mismo admite, empieza a creer por primera vez en que podría ser pintor (gracias Freud!).
Eduardo Arroyo "Le Meilleur Cheval du monde" (1965) |
Pero si hay algo que caracteriza a los creadores del Arte Pop en España es su dimensión política y reivindicativa, es decir, lejos de esa imagen ingenua, frívola y pueril del Pop extranjero, los artistas españoles fueron muy críticos con la situación política y social del momento, poniendo la imagen al servicio de la sociedad. Tal es el caso de Eduardo Arroyo (Madrid, 1937, periodista, escritor y antifranquista convencido, tuvo que exiliarse a París donde desarrolló su imaginario antidictatorial, que tiene en la representación del uniforme un "leitmotiv" para expresar el ejercicio del poder, sin tener que recurrir al retrato propiamente dicho, como vemos en "La chaqueta de Stalin" (1964) o en la serie "Le Meilleur Cheval du monde" (1965).
Equipo Crónica "La salita" (1970) |
Equipo Realidad "El entierro del estudiante Orgaz" (1966) |
Equipo Realidad "Reina por un día" (1969) |
En cuanto a Equipo Realidad, formado por Joan Cardells y Jorge Ballester, estuvo activo entre 1966 y 1976, reflejando la situación política del momento, una pre-democracia que estaba tardando mucho en llegar y tenía demasiados mártires, como el estudiante de "El entierro del estudiante Orgaz", donde vemos que, del mismo modo que hacía Equipo Crónica, recoge elementos clásicos de la Historia de la Historia del Arte y los adapta a la crítica antifranquista. Otro de los discursos más llamativos de Equipo Realidad es el papel de la mujer en la sociedad española de los 60, una mujer objeto que era exhibida como un elemento más de la casa y utilizada en el escaparate político y social...
Rafael Canogar "La policía en acción" (1969) |
Y ya empezado el siglo XXI el Pop Art sigue vigente en España, últimamente tristemente en boga con el escándalo en torno a Antonio de Felipe, en el que no queremos entrar y obviaremos para disfrutar de su obra gráfica, abiertamente Pop y que aporta, cuanto menos, colorido al panorama actual del arte... Con todo lo que habéis leído en las tres entregas sobre el Pop Art, esperamos que veáis la obra de Antonio de Felipe con ojos críticos, pero sobre todo... disfrutad!!!
Antonio de Felipe "Infanta naranja, infanta limón" |
miércoles, 12 de octubre de 2016
¿Quieres ser nuestr@ reporter@?
Quiero más Arte online nació con el ánimo de divulgar y compartir a través del universo internauta todo lo relacionado con el mundo del Arte, por eso nos encantaría estar en todas las exposiciones, galerías, museos y eventos culturales de todo el mundo... ¿Quieres ayudarnos? ¿Quieres ser nuestr@ reporter@ cultural?
Si en tu ciudad hay una exposición que creas que merece la pena visitar, un museo con un artista que te entusiasme, una galería que otorge oportunidades a nuevas promesas... compártelo con nosotr@s!!! No tenemos el don de la ubicuidad, pero tenemos al alcance de tod@s la herramienta adecuada para compartirlo todo: Internet!!!
sábado, 1 de octubre de 2016
Me ha salido un... MONET!!!
La ganadora del mes de septiembre es Susana Codón con estos nenúfares... Ya sabéis que Monet reprodujo en muchas ocasiones estas plantas acuáticas, en concreto realizó unas 250 obras!!! Todas únicas, todas diferentes, todas espectacularmente bellas...
martes, 27 de septiembre de 2016
El turismo es un gran invento
Pompeo Batoni "Charles Cecil Roberts" (1778) |
Podemos remontar el origen al siglo XVII, no porque antes no se viajara, sino porque fue en este momento cuando los jóvenes adinerados de la época, británicos principalmente, se lanzaron a explorar Europa en busca de nuevas experiencias. Fue lo que se conoce como el Gran Tour, de donde se deriva nuestro moderno turismo, cuya finalidad era, en principio, educativa: conocer otros países, otros idiomas, otras costumbres, era fundamental para completar la educación de cualquier joven aristócrata. Pero también aprovechaban para hacerse con diferentes tipos de "souvenirs", entre las que predominaban obras de arte y piezas arqueológicas que, una vez en su país, eran exhibidas en sus reuniones sociales. Este trasiego de piezas artísticas tuvo un inmediato efecto: la propagación de nuevos estilos y tendencias, además de nuevos motivos iconográficos que empezarían a hacer acto de presencia en todas las artes plásticas europeas, motivos estos que se reproducían de aquellas pinturas y grabados traidos de esos viajes, además de ejemplares de fauna y flora que los más osados se aventuraban a meter en sus equipajes.
Giovanni Paolo Panini "Antigua Roma" (1757) |
Paso obligado era Italia, por su importancia histórica y artística, que la hacían destino de muchos amantes del Arte y aspirantes a artistas; y en concreto Roma, considerada cuna del Arte clásico y del conocimiento latino...
Por lo tanto, podemos decir que esos primeros viajeros realizaban un turismo cultural que ahora, cuatro siglos después, se está volviendo a poner de moda, después de haber pasado por un concepto turístico de sol, playa y bikinis que tanto gustaban al gran Paco Martínez Soria...
S.G.
S.G.
jueves, 22 de septiembre de 2016
domingo, 18 de septiembre de 2016
#GCultural2016: Conclusiones Mesa 1
En la videoconferencia de la mesa 1 celebrada el viernes 16 de septiembre, pudimos escuchar las intervenciones de algunos grupos que apuestan por proyectos de cultura libre, proyectos muy interesantes que actualmente se están elaborando pero que generan toda una serie de interrogantes que versan principalmente sobre los tipos de licencias que manejan y sobre la sustentabilidad de los proyectos.
La mesa empezó con la intervención de la Asociación Panorama 180 en la voz de Andreu Meixede, coordinador de BccN Barcelona Creative Commons Film Festival, pionero en nuestro país del fomento del uso de las licencias Creative Commons. Su primera aportación, de un tono un tanto pesimista, fue sin embargo muy acertada: "La cultura no está en el ADN del sistema que nos gobierna". Todos los participantes compartieron con sus experiencias esta misma idea, pues todos tienen que lidiar con las instituciones públicas y entrar, aún sin quererlo, dentro su órbita de actuación. Sin embargo, y como bien apuntó Rodrigo Savazoni, la idea de autonomía es clave en cualquier proyecto de cultura libre, y no solo con respecto a la Administración sino también en lo que respecta a sus métodos de financiación, es decir, la sustentabilidad.
Esta cuestión ocupó la mayor parte del debate pues, en definitiva, todos estos proyectos de cultura libre o abierta se basan en acercar la cultura a tod@s de la manera más fácil posible, tanto desde un punto de vista cualitativo como cuantitativo. Los ponentes aportaron, desde sus diferentes experiencias, recursos como el crowfunding, el empleo de recursos cruzados y el aprovechamiento de internet, aunque todos estaban de acuerdo en que la total aceptación de una cultura libre y abierta, y con ello una adecuada sostenibilidad, tiene que proceder de un profundo cambio en nuestras instituciones y en las mentalidades ancladas en un sistema capitalista en el que nada puede ser gratis, incluso teniendo derecho a ello, como es el caso del acceso a la cultura.
Además de la mencionada Asociación Panorama 180, los aportes de Mapas Culturales desde Brasil, Desbordes desde La Patagonia, Ediciones la Terraza también desde Argentina y Laboratorios ciudadanos desde Brasil, hicieron un debate muy interesante y productivo, que demostraron que una cultura abierta es posible... Gracias!!!
martes, 13 de septiembre de 2016
Las Claves del Pop Art: Episodio II
Robert Rauschenberg Retroactive I (1963) |
En la
primera entrega de las claves del Pop Art, nos quedó claro que los padres de
esta singular propuesta artística se encuentran en Inglaterra, sin embargo a
nuestra cabeza vienen imágenes de las Marilyns, la sopa Campbell y las viñetas
de cómic exageradamente grandes, ¿por qué? Pues porque es indudable que para
fabricar y exportar espectáculo Estados Unidos se lleva la palma y Andy Warhol
será su principal embajador.
Pero
antes de él hubo una primera oleada pre-pop, todavía ligada a la abstracción
pero con unos contenidos radicalmente diferentes, esto es, se pasa de la
búsqueda de la expresión individual y personal del artista y sus reflexiones
sobre la acción de pintar y el espacio (como hacían Pollock y Rothko), a un
abierto interés por temas banales y objetos cotidianos que nos recuerdan a lo
visto en el Pop británico, como son las imágenes sacadas de revistas y
periódicos de Robert Rauschenberg o la serie de Banderas
de Jasper Johns. Esta fascinación por la imaginería popular y la búsqueda del
objeto fetiche está en la base de la época “dorada” del Pop Art americano, en
la que se desarrolla una auténtica cultura en torno al objeto… o quizás
deberíamos decir “culto” al objeto?
Jasper Johns Flag (1967) |
The Factory |
Efectivamente,
y como de auténticos exvotos se tratara, Estados Unidos estuvo inundado durante la década de 1960 por imágenes de Coca-Cola, de Marilyn Monroe y de Sopas
Campbells, no sólo en la publicidad, en la televisión y en las revistas, sino
también en galerías y museos. Su artífice, Andy Warhol, decía: “Si pinto de esta
manera es porque quiero ser una máquina”, porque efectivamente su trabajo pasó rápidamente
a estar más próximo a la fabricación industrial que a la artesanal o
manufacturada, más propia de los artistas británicos. Desde 1963 Warhol se
instala en lo que llamó “The Factory”, un lugar muy peculiar donde el excéntrico
artista realizaba de día sus famosas litografías y serigrafías, y de noche se
convertía en el epicentro de escandalosas fiestas donde se reunían personajes
de lo más variopinto.
Andy Warhol Latas de sopas Campbells (1962) |
Claes Oldenburg Teléfono blando (1963) |
Indudablemente
Andy Warhol fue un artista muy controvertido, que provocó críticas y debates
sobre su trabajo y su papel como artista, pero hay que valorar su propuesta dentro
de un contexto de apogeo de un consumismo feroz, en el que el Arte también
tenía derecho a entrar y ser partícipe… el Pop Art de Warhol consistía, no en
pensar con las obras, sino simplemente vender imágenes…
Pero no
todo el Pop Art americano se reduce a Warhol, aunque la principal
característica va a seguir siendo ese culto al objeto cotidiano que, en el caso
de Claes Oldenburg, son sometidos a una doble metamorfosis: altera su tamaño y
cambia el material del que están hechos originalmente, todo ello para
enseñarnos a ver el mundo de otro modo. De esta manera, nos encontramos con
cucharillas gigantes o teléfonos blandos, además de un gran número de pequeñas
piezas de diferentes alimentos realizados en escayola y que llegó a comercializar
en The Stone, un lugar que tiene cierta semejanza con The Factory de Warhol,
aunque seguramente menos ruidoso…
Claes Oldenburg Pastry case (1962) |
Roy Lichtenstein Image duplicator (1963) |
Pero, ¿dónde están
esas enormes imágenes salidas de los cómics y quién las hacía? El artífice fue
Roy Lichtenstein, que las escogió como principal asunto iconográfico por un
doble y paradójico motivo: esa técnica fría e impersonal del trabajo de
imprenta que, sin embargo, transmitía una gran carga emocional en sus temas. Al
igual que sus coetáneos, para Lichtenstein el Arte era también un objeto más de
consumo, pero lejos de seguir un procedimiento industrial como hacía Warhol, y
como sus pinturas aparentan, sus obras esconden el trabajo de un pintor
tradicional. Escoge una imagen, un personaje, una situación, y como si usáramos
una lupa cuando leemos un cómic, lo traslada a un formato mayor, de manera que
se pueden ver los característicos “puntitos” del trabajo de imprenta
tradicional.
También debemos mencionar en esta etapa madura del Pop Art
estadounidense, la figura de Mel Ramos y sus características “pin-ups” que
aparecen publicitando productos de gran consumo... como si ellas mismas también lo fueran.
George Segal Conductor de autobús (1962) |
A mediados de los años 60 la estética Pop estaba ya tan extendida que empezó a ampliarse la temática y el estilismo hacia otros derroteros, menos glamourosos y más cercanos a la vida cotidiana del americano medio. En esta última fase nos encontramos a artistas como George Segal y Marisol Escobar, que se alejan de esa imagen alegre, optimista y banal que había difundido el Pop americano, y analizan al ser humano de una forma más trágica, por no decir más real: las Marilyns, la Coca-Cola y las pin-ups, dan paso a conductores de autobús, inmigrantes, indigentes y, en definitiva, miembros también de pleno derecho de ese mundo capitalista y consumista que vendía felicidad a través de imágenes.
Marisol Escobar Mujeres y perro (1962) |
Y ¿cómo se vió y se canalizó todo esto desde nuestra España franquista?
To be continued...
lunes, 12 de septiembre de 2016
Primer Congreso Online de Gestión Cultural
Hoy arranca el Primer
Congreso Online de Gestión Cultural, en el que se tratarán temas como
herramientas Tic, proyectos culturales digitales,espacios culturales en la red,
etc...
Si te
interesa la difusión de la cultura online, no puedes perdértelo! Podéis seguir
sus mesas de debate en directo a través del canal de youtube de Ártica:
Esta
noche se inagura a las 21:00 (hora española)...
Estaremos atent@s...
viernes, 2 de septiembre de 2016
Cambio en los requisitos
Antes de nada agradeceros vuestras estupendas fotografías, que no hacen sino demostrar que todos lleváis un artista dentro. Sin embargo, algunas de esas fotos no cumplían uno de los requisitos: la imagen debía estar tomada del natural, sin haber sido alterada... Pero no hemos podido resistirnos al talento y al esfuerzo de much@s de vosotr@s y hemos decidido eliminar ese requisito, con el que nos hemos dado cuenta que lo único que hacíamos era limitar vuestro enorme ingenio.
Por ello, queremos hacer una mención especial a Inmaculada Gordillo y su "Me ha salido un...VAN GOGH". Gracias y felicidades a ti y a ese Van Gogh tan guapa!!!
jueves, 1 de septiembre de 2016
Me ha salido un... JOAQUIN SOROLLA!!!
Ganadora del mes de agosto... Sonia Codón!!
¡Muy buen trabajo, Sonia!
Este mes la decisión ha sido complicada. Gracias por vuestras creaciones y... A POR EL MES DE SEPTIEMBRE!
¡Muy buen trabajo, Sonia!
Este mes la decisión ha sido complicada. Gracias por vuestras creaciones y... A POR EL MES DE SEPTIEMBRE!
miércoles, 24 de agosto de 2016
Las claves del Pop Art: Episodio I
Paolozzi "Fuí el juguete de un hombre rico" |
Los inicios
del Arte Pop se deben localizar en Inglaterra, de la mano de un grupo de
artistas que nacieron durante o después de la I Guerra Mundial y que no habían
experimentado directamente sus horrores, por lo que empezaron a rechazar la
austeridad y hermetismo que caracterizaba al informalismo europeo y que sí eran
consecuencia de las vivencias de la Guerra… La recuperación económica de los
años 50 llevaba al mundo a una nueva era de consumismo. Aunque no se puede
considerar un grupo homogéneo, estos artistas empezaron a interesarse por la
cultura más popular, es decir, el cine, la moda, la música, así como las nuevas
tecnologías, que estaban modificando los modos de vida cotidianos.
¿Qué es lo que hace a nuestros hogares de hoy tan diferentes, tan atractivos? |
Si queréis saber quién aparece en la portada clicka aquí |
El propio
Hamilton dió las claves de este nuevo movimiento, cuando lo calificó como "popular y destinado a un público amplio, pasajero y
efímero, fácil de consumir y de olvidar, barato, producido en serie, joven y
querido por la juventud, espiritual, sexy, llamativo, simpático, un negocio
redondo". Precisamente por todo
ello, fue un tipo de Arte que a la gente de a pie le encantó, sin embargo en la
crítica artística no fue muy bien recibido... una muestra más de que la opinión
de los críticos va por caminos insondables para las mentes mundanas como las
nuestras...
Opiniones aparte, Inglaterra vió nacer muchos artistas considerados Pop y
que, navegando un poco por internet o por las olvidadas bibliotecas, podéis
encontrar sin dificultad, pero aquí consideramos fundamentales en el desarrollo
del Arte Pop, dentro y fuera de Inglaterra, junto a Hamilton por supuesto, a
Peter Blake y David Hockney... ¿Por qué?
Tienda de juguetes |
El otro
referente del Pop Art británico es David
Hockney, cuya pintura será un gran diario íntimo pues buscaba un lenguaje
personal en sus pinturas partiendo de sus experiencias personales. Sus obras
más conocidas fueron realizadas después de su traslado a California, a partir
de 1964, donde realizaría su serie dedicada a las piscinas.
De todos
estos precursores del Pop Art podemos entresacar unas características generales,
que nos ayudarán a la interpretación de sus obras y, posteriormente, ponerlos
en relación con la producción de artistas estadounidenses y españoles:
- Interés
por los medios de masas y la cultura popular: cine, música, televisión,
revistas…
- Máxima
prioridad a la imagen, pero siempre una imagen frívola e intrascendente (al
menos en apariencia).
- Uso de
colores vivos, alegres y llamativos.
- Son obras
manufacturadas, es decir, realizadas por las manos del artista (esto que parece
una obviedad veremos que en el Pop Art estadounidense no era así).
Tened
presentes estas claves desarrolladas aquí, pero todavía hay mucho que decir
sobre el Pop Art…
S.G.
viernes, 19 de agosto de 2016
El Bosco que habita en nosotros
El Bosco. "El carro de heno" 1502 |
Este artículo no es otro artículo sobre las claves del universo bosquiano, intentando desentrañar su personalidad artística y su misterioso juego iconográfico. Porque, siendo objetivos, ¿qué sabemos con total certeza sobre El Bosco? Muy poco o nada. Casi todo lo que creemos conocer de él se fundamenta en datos sueltos, breves noticias e interpretaciones de lo más dispares entre si. El propio Gombrich, en su famosa Historia del Arte de 1950, ya dedicaba estas palabras al artista:
"... uno de esos pintores acerca de quien es muy poco todo lo que se sabe..."
Detalle panel derecho de El jardín de las delicias. |
Desde entonces, muchos se han adentrado en el universo de esta "rara avis" de su época: Fernando Marías, Joaquín Yarza Luaces, Stefan Fischer o Reindert Falkenburg, que dirigirá la VI Cátedra del Prado 2016: El arte de Jheronimus Bosch "el Bosco" (h.1450-1516) y de Pieter Bruegel (h,1525-1569), son solo algunos ejemplos.
Mucho antes que ellos hubo otros exégetas, relativamente próximos a su tiempo, que se interesaron por la naturaleza del éxito de este enigmático artista:
Karel van Mander (1548-1606) recopiló poco más de dos páginas con esbozos sobre su vida, enumeró algunas de sus obras y aportó algún aspecto sobre su técnica; Antonio de Beatis, acompañando al cardenal Luís de Aragón en su viaje a los Países Bajos (en 1517) para reunirse con Carlos V, contempló El jardín de las delicias (cuyo propietario por entonces era Enrique III de Nassau) describiéndolo en estos términos:
Mucho antes que ellos hubo otros exégetas, relativamente próximos a su tiempo, que se interesaron por la naturaleza del éxito de este enigmático artista:
Karel van Mander (1548-1606) recopiló poco más de dos páginas con esbozos sobre su vida, enumeró algunas de sus obras y aportó algún aspecto sobre su técnica; Antonio de Beatis, acompañando al cardenal Luís de Aragón en su viaje a los Países Bajos (en 1517) para reunirse con Carlos V, contempló El jardín de las delicias (cuyo propietario por entonces era Enrique III de Nassau) describiéndolo en estos términos:
"... hay algunas tablas con diversas bizarrías... donde unos salen de una concha marina, otros defecan grullas, hombres y mujeres... cosas tan placenteras y fantásticas que en modo alguno se podrían describir..."
O Fray José de Sigüenza (1544-1506), fiel consejero de Felipe II, quien afirmó de el Bosco:
"... los demás procuraron pintar al hombre cual parece por defuera; este solo se atrevió a pintarle cual es dentro..."
LOS LUGARES COMUNES DEL ARTE
Pues bien, después
de cinco largas centenas aún seguimos admirando a un desconocido
conocido por todos... paradojas que tiene la Historia del Arte.
Por tanto, y aunque este comentario pueda enfurecer a muchos,
cualquier hipótesis con cierto fundamento a propósito de nuestro
artista podría resultar plausible, incluso la tan denostada
conjetura de Wilhelm Fraenger (1890-1964) sobre la pertenencia
de el Bosco a la herética Hermandad del Libre Espíritu.
Así que no, este artículo no tratará ninguno de esos aspectos, sino que va a sumergirse en la atracción, la fascinación y la vigencia que la obra de Jheronimus van Aken, el Bosco, ha tenido y tiene en la Historia del Arte. Lo que de el Bosco habita en nosotros...
Ante esto cabría preguntarse: ¿qué nos seduce tanto de él y su
universo simbólico?, ¿por qué ese irresistible magnetismo?. La
respuesta es tan antigua como antiguo es el mundo: porque a los seres
humanos nos atrae lo desconocido, lo que escapa de nuestro control y
nuestra razón no puede comprender. Aquello que los románticos de
finales del siglo XVIII y XIX llamaban "experiencia de lo
sublime", y que abordaba conceptos como: el terror, el placer del dolor, el gozo perverso que produce la
contemplación de lo desagradable, la delgada línea que separa lo
monstruoso de lo cómico y la insignificancia del ser ante las fuerzas
superiores. Una práctica que sólo puede llevarse a cabo desde lo
más profundo del alma.
El
antropólogo Carmelo Lisón Tolosana
escribe en su obra La
España mental: el problema del Mal
(1990), que artistas como el Bosco o Goya representaban “estados
extremos de experiencia como metáforas de la angustia intemporal”,
todo con el fin de comprender nuestra finitud como seres mortales. A
través de la fantasía a nuestra razón le resulta menos complicado entender estos asuntos,
ya que normalmente huye de cuestiones metafísicas. Y concluye
diciendo:
“lo
inconmensurable es para el Arte, no para la Ciencia”.
EL BOSCO A TRAVÉS
DE LA HISTORIA DEL ARTE
Los artistas a lo largo de la historia, han explorado estos estados
del alma y han creado imágenes que desvelan al resto de espectadores
la naturaleza de lo espantoso, de lo extraño, de lo fantástico...
Al dotarles de forma, exorcizan de alguna manera esos demonios que
acechan el pensamiento.
Después de el Bosco, fue quizás Pieter Brueghel el Viejo
(1525-1569) quien mejor ahondó en estos aspectos, naturalmente muy
imbuído por la obra del protagonista de nuestro artículo. Sus
pinturas también han sido interpretadas bajo muchas premisas (en
clave religiosa, política, social...) Aunque, como observa
Valeriano Bozal en su introducción a Lo cómico y la
caricatura de Baudelaire, lo grotesco no tiene que tener
esencialmente un fin moral o crítico, sino que puede ser
sencillamente un ejercicio de libre expresión. Parece que Brueghel
se complacía en representar esas violentas escenas, se regodeaba en
ellas sin más.
Generalmente lo situamos representando escenas cotidianas de la vida
de los campesinos flamencos, con una gran carga anecdótica, pero en
este caso aborda el tema bíblico de la caída de los ángeles
rebeldes. Las figuras siguen teniendo esa
tratamiento tardo-gótico de extremo detalle (representa cada
textura, cada poro, cada pluma o veta), pero en lo que se muestra
diferente a su tradición, y muy cercano a el Bosco, es en la visión
panorámica de la escena. No existe un personaje principal, una
acción preponderante que marca el orden de las escenas secundarias.
Todo tiene una visión de conjunto, un ritmo vertiginoso en el que se
hace necesario parar para apreciar cada pequeña figura, cada pequeña
acción que se sucede de manera simultánea al resto. Por supuesto
hace gala de un catálogo de seres híbridos, metamorfosis animales,
medio bestias, medio vegetales... Y de colores brillantes y vivos
que refuerzan aún más si cabe la sensación de estar envueltos en
un mal sueño o pesadilla.
Pieter Brueghel. "La caída de los ángeles rebeldes" 1562 |
Dando un salto en el tiempo hasta finales del siglo XVIII y el siglo
XIX, volvemos a sentir la influencia de el Bosco de forma muy viva en
los artistas. Hogarth (1697-1764) en Inglaterra y Grandville
(1803-1847) en Francia, se sirvieron del lenguaje bosquiano para
hacer una crítica a los vicios sociales y morales de su época.
Utilizaban un marcado carácter caricaturesco, ridiculizando los
estamentos sociales a través de: el gesto, la mueca, acciones absurdas, la degradación física de los personajes y
las figuras zoo-antropomorfas.
A la izquierda: grabados de Grandville, 1829; a la derecha: Hogarth. "El callejón de la ginebra" 1751 |
Pero quizás, las personalidades más sobresalientes de este momento fueron
William Blake (1757-1827) y Francisco de Goya
((1746-1828). Blake es el artista romántico por antonomasia. Poeta, pintor
y grabador, vivía entre la tragedia que era su propia existencia
(murió en la más absoluta miseria, enfermo y falto de cualquier
reconocimiento artístico) y su espíritu místico y visionario que
le llevó a aventurarse en proyectos en los que conjugaba su faceta
literaria y como dibujante, por ejemplo: Cantares de Inocencia
(1789) o Jerusalem (1804). Pero también ilustró la obra
de otros poetas y escritores. Es el caso de su último trabajo, La
Divina Comedia de Dante (1825-27), que no llegó a concluir y de
la que sólo se conservan siete grabados completos, de los 102
proyectados inicialmente.
Blake. "Nicolás III en el Infierno" 1824 ; El Bosco. Detalle "Infierno" |
Aunque los volúmenes de sus figuras nos llevan hasta Miguel Ángel,
el tratamiento de los temas, el simbolismo que emerge de ellos, la
deformación de sus representaciones... son inequívocamente
reminiscencias de el Bosco. El grabado del papa simoníaco Nicolas
III, condenado a permanecer en
un agujero de fuego boca abajo por toda la eternidad, nos remite a
algunas de las escenas de infiernos
de El jardin de las delicias o El carro de heno.
De su contemporáneo Goya, Baudelaire escribía:
“...
hay algo en él que recuerda esos ensueños periódicos o crónicos
que asedian regularmente nuestro sueño... El gran mérito de Goya
consiste en crear lo monstruoso verosímil... todas esas caras
bestiales, esas muecas diabólicas, están imbuídas de humanidad...
es a un tiempo transcendente y natural”
"EL aquelarre"; "Grande hazaña con muertos"; "El sueño de la razón produce monstruos" |
Su serie de Los Caprichos (1792-1799), Los desastres de la
guerra (1810-1815) o las denominadas Pinturas negras
(1819-1823), realizadas en los muros de su casa de la Quinta del Sordo,
contienen elementos del lenguaje iconográfico de el Bosco (visiones
nocturnas, deformaciones de la realidad, figuras caricaturizadas,
seres híbridos y simbólicos...) Pero así como en el holandés
hablábamos de una lectura satírica que busca la reconvención moral desde el humor negro, en Goya se aprecia una expresión pesimista de los temas, un juicio
inexorable a los males de los que adolece su mundo: las terribles
consecuencias de la guerra, la crítica a la doble moral, a la
corrupción política, la superstición...
Por supuesto se quedan en el tintero otros nombres como Flaxman,
Fuseli, Delacroix, Doré... pero sería
imposible abarcar la impronta de nuestro genial holandés en esos
casi dos siglos de creadores.
Redon. "Diablo llevando una cabeza" 1876 |
En un estilo indeterminado, a caballo entre el Simbolismo y el
Surrealismo, encontramos a Odilon Redon (1840-1916).
Contemporáneo de los impresionistas, con los que incluso llegó a
exponer en 1886, su personalidad artística iba en otra dirección.
En este sentido, pueden hallarse muchos paralelismos con el Bosco:
ambos pintaban escenas fantasiosas, misteriosas y oníricas, cargadas
de humor negro; los dos llevaban trayectorias equidistantes con
respecto a sus colegas pintores; y fueron apreciados por los
surrealistas como precursores del movimiento.
EL BOSCO Y EL
SURREALISMO
El Bosco ha sido objeto de inspiración para románticos,
simbolistas, prerrafaelitas... pero en todos estos movimientos su
impronta se hallaba más o menos reconocible. Serán los surrealistas
los primeros en reivindicar la figura de Jheronimus Bosch como
precursor indiscutible de su estilo. Algo así como un profeta
artístico para ellos.
Desde que André Breton firmó en París el Primer
Manifiesto Surrealista de 1924
y el Segundo
Manifiesto Surrealista de 1929,
muchos fueron los que pasaron por sus filas, se marcharon o
simplemente experimentaron sus premisas: Arp,
de Chirico,
Ray,
Klee,
Masson,
Miró,
Picasso... Algunas de esas premisas pasaban por
representar las imágenes del inconsciente generadas por lo que
consideraban la “errónea interpretación de la
realidad”. Este examen
psicológico era para ellos una manera de equilibrar la razón en el
mundo. El psiquiatra suizo Carl
Gustav Jung (1875-1961),
describía el proceso creativo de los surrealista del siguiente modo:
“...El
proceso creativo, si es posible seguirlo en alguna forma, consiste en
la activación inconsciente de una imagen arquetípica, a la que se
elabora y da forma en un trabajo terminado... La imagen primordial en
el inconsciente, que está mejor capacitada para compensar la visión
inadecuada y parcial del presente... El artista puede descubrir qué
imágenes compensan las necesidades inconscientes de su tiempo...”
No es de extrañar, por tanto, que el Bosco supusiese para ellos una
fuente indispensable e incluso un maestro antecesor del movimiento.
Quizás fuese Salvador Dalí (1904-1989) la figura más
popular de la corriente surrealista por razones obvias.
Pero cabría destacar la sutileza e interpretación personal que del
Surrealismo hizo la pareja formada por Max Ernst (1891-1976) y
Leonora Carrington (1917-2011).
Max Ernst, fue uno de los pintores que, viniendo del Dadaísmo,
se sumergió en la vanguardia surrealista y llegó a formar parte
importante del grupo. Tenía una gran capacidad para crear a partir
de técnicas inventadas por él mismo como el 'frottage', el
'grattage' o la 'decalcomanía'. Su lienzo de 1940-42 titulado
“Europa después de la lluvia”, nos muestra una Europa
devastada por la Segunda Guerra Mundial, con un paisaje rocoso que se
asemeja mucho a los paisajes de el Bosco. Todo aparece en plena
descomposición aunque parecen surgir algunas figuras de las rocas...
Arriba: Max Ernst. "Europa después de la lluvia" 1942 Abajo: Leonora Carrington. "Red horses of the Sidhe" 1996 |
Leonora Carrington, considerada por muchos la última
superviviente surrealista (etiqueta de la que ella misma huía como
de cualquier otro encasillamiento artístico, social o de género)
bebía también de las fuentes del simbólico subconsciente y la
colección de repertorios que el Bosco había dejado como legado. Sin
duda su relación personal y profesional con Max Ernst, además de
una ajetreada y nada convencional vida, marcaron su rumbo artístico.
Juntos formaron una de las parejas de álter egos más conocidas de
la Historia del Arte: Loplop y la Desposada del Viento, unidos
para siempre por el arte. Su obra “Red horses of the Sidhe”
de 1996, describe una leyenda mitológica irlandesa sobre unas hadas
expulsadas a las montañas tras ser invadida Irlanda por los
gaélicos. En definitiva, un tema que nos evoca los infiernos de “El
carro de heno”, “El Juicio Final” de Viena o “El
jardín de las delicias”, con personajes alados, híbridos de
pájaros y una acción vertiginosa.
BOSCH IS “TRENDY”
Después de este recorrido se puede decir sin asomo de duda que el
Bosco ha estado, está y estará simpre de moda. Y es así porque
vivimos con una parte de él en nosotros, que ha crecido casi
sin darnos cuenta en el imaginario colectivo, gracias a la
reinterpretación de su universo que han hecho otros artistas y, por
supuesto, a su extraordinaria obra. Lo más interesante es que su vocabulario visual es tan rico que
puede interpretarse desde infinitas posibilidades:
Peter Witkin (1939) o los Hermanos Chapman (1966 y
1962), inciden en los aspectos más macabros y polémicos: la
deformidad, el dolor, la oscuridad, la muerte, el sexo... todo
aquello que rompa con 'lo correcto' y socialmente establecido.
Arriba: tres fotografías de Peter Witkin; Abajo: Los hmnos Chapman. "What the Hell I-IX"/"Fucking Hell" 2000-2003 |
Desde Los Ángeles (California) los “chicos underground” del
Lowbrow art o Surrealismo Pop. La inmensa mayoría se
encuentra fuera del circuito de las grandes galerías de arte y los
museos contemporáneos. Construyen un mundo formal que aúna el Pop
art con los maestros antiguos, y vienen de disciplinas tan dispares
como el tatuaje, el cómic, la ilustración de libros e incluso algún
autodidacta. Quizás estas circunstancias son precisamente las que
les liberan de las cadenas del arte para enseñarnos un universo
irreverente en el que aparecen arquetipos perturbadores,
yuxtaposiciones de contrarios (almas inocentes infantiles y al mismo
tiempo atormentadas e inquietantes), apariciones misteriosas, objetos
de la cultura kitsch, narraciones complejas, temas mordaces (exentos
de prejuicios y satíricos), recreación en la crueldad, el sexo...
Entre sus filas encontramos nombres como: Mark Ryden (1963),
Todd Schorr (1954), Gary Baseman (1960) o Camille
Rose García (1970) entre otros.
Izquierda: Mark Ryden. "The Creatix" 2005; Derecha: Camille Rose García. "Now on Black Butterfly" 2010 |
Arriba: Todd Schorr "Dreamland"2004; Abajo: Gary Baseman "La noche de la fusión" 2009 |
Y por último, un grupo de artistas multidisciplinares y heterogéneos
que, sin embargo, tienen en común recurrir a obras del pasado para
reinterpretarlas, sustituyendo los elementos iconográficos
religiosos, paganos (o de otra índole) de las obras originales por
símbolos contemporáneos. Desde ahí exploran situaciones como la
sociedad de consumo, las nuevas tecnologías, el arte popular digital
y otros temas de actualidad. Uno de sus iconos recurrentes es, como
no, el Bosco. En esta secuencia de imágenes vemos distintas
interpretaciones de “El jardín de las delicias”:
Arriba: Carla Gannis ttps://vimeo.com/109645144 "The garden of emoji delights" 2014 Abajo: Emily Erb "The garden of earthly delights" 2009 |
Arriba: Raqib Shaw "The garden of earthly delights" 2004; Abajo: Lluis Barba "El jardín de las delicias" 2007 |
Jheronimus van Aken, Jheronimus Bosch, Joen, el
Bosco... El misterio más admirado de la Historia del Arte.
Ahora, cada vez que os acerquéis a sus pinturas hacedlo con total
libertad y el pensamiento abierto. En vosotros están todas las
claves para interpretarlo. Y si aún así os resulta complejo, seguid
estas sencillas instrucciones:
-Agitad bien vuestras mentes
-Poneos boca abajo (metafóricamente hablando, claro)
-Destapad el tapón del subconsciente...
Y dejaos llevar...
Iris G.
LO QUE PRESUMIMOS DE LA BIOGRAFÍA Y OBRA DE JHERONIMUS BOSCH
-Nació
hacia 1450, en Hertogenbosch (Paises Bajos) de donde nunca salió
(aunque algunos ven indicios de un posible viaje a Venecia)
-Murió el 9 de agosto de
1516. Sus hermanos cofrades se encargaron del sepelio ya que era
un ciudadano bien considerado y famoso en la ciudad.
-Su
abuelo, Jan van Aken (h. 1380-1454), su padre, Anthonius van
Aken (h.1420-1478), y sus hermanos, eran también pintores y
tenían un pequeño taller provinciano donde el joven artista debió
formarse.
-Se
casó en 1481 con la hija de un adinerado comerciante, Aleid van
der Mynnen.
-En
1486 era miembro de la élite social de la ciudad, llegando a pertenecer
a la Ilustre Hermandad de Nuestra Señora.
-Tuvo
importantes clientes como Felipe el Hermoso, que le encarga un
Juicio Final (1504) hoy desaparecido. Y fue también coleccionado por
célebres personajes como Felipe de Guevara o Felipe II.
-Existen
veintisiete obras que se creen salidas directamente de su pincel.
También hay noticias de numerosas falsificaciones en su época.
-Se
desconocen la mayoría de las fechas (pues tenía por costumbre
no fechar sus pinturas), por lo que es difícil establecer etapas concretas en
su obra. En general se habla de tres etapas muy imprecisas:
1) 1474-1485; 2) 1485-1510; 3) 1510-1516
-Pintaba
en capas muy finas y veladas, que dejaban atisbar el fondo. Eso
facilitó que fueran repintadas en muchos casos, por lo que supone
también un handicap para su estudio. Su estilo se mueve entre la
tradición de los primitivos flamencos, la influencia de
artistas como Grünewald y su creación iconográfica personal,
convirtiendo los elementos secundarios (grotescos, híbridos..)
en personajes principales de sus cuadros.
-Sus
fuentes iconográficas no son del todo conocidas, aunque se
le supone cierta mezcla de pasajes bíblicos con el folklore
holandés (refranes populares, historias, literatura de la época
como “El barco de los locos” de Sebastian Brand de 1494...);
bestiarios medievales, los mirabilia, márgenes de códices miniados
(gryllas y drôleries góticas con una larga tradición desde la
Antigüedad oriental, Grecia y Roma)
-Temas
tratados desde: el humor, el simbolismo... El humor
prevalece frente al horror, representaciones que provocan risa en
lugar de temor aunque también sirven de reflexión sobre los pecados
del hombre, los castigos del Infierno, con una vocación moralista
y de devoción cristiana.
-Temas
que invitan a la meditación íntima, la “devotio moderna”
de finales del siglo XV y principios del siglo XVI.
-El soporte por excelencia de sus pinturas es la tabla y el formato el tríptico.
-El soporte por excelencia de sus pinturas es la tabla y el formato el tríptico.
REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS
-Bango Torviso, Isidro; Marías, Fernando (1982): Bosch. Realidad, símbolo y fantasía. SÍLEX
-Baudelaire, Charles (2001): Lo cómico y la caricatura. Introducción de Valeriano Bozal. LA BALSA DE LA MEDUSA
-Fischer, Stefan (2016): Jheronimus Bosch. La obra completa. TASCHEN
-Gombrich, E.H. (2011): La Historia del Arte. PHAIDON PRESS
-Holzwarth, H.W. (2016): Arte Moderno. 1870-2000. TASCHEN
-Kettenmann, Andrea (2013): Surrealismo. TASCHEN
-Lisón Tolosana, C (2004): La España mental: el problema del Mal. AKAL
-Rosenblum, Robert; Janson, H.W. (1992): El Arte del siglo XIX. AKAL
-Yarza Luaces, J (1998): El jardín de las delicias. T.F.EDITORES
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