lunes, 31 de octubre de 2016

Me ha salido un... FRIEDRICH!!!

Ganador del mes de octubre... Fer Gonzalez!!! Con esta fotografía que reinterpreta los amaneceres de Friedich... contrastes lumínicos que elevan el paisaje a la categoría de lo espiritual.

Enhorabuena y gracias Fer!!!

viernes, 28 de octubre de 2016

Reporter@s en... "Todo es de color"


Nuestra amiga Carmen Muñoz nos habla sobre la muestra que Florinda López Fernández de Cordova exhibe en The malone studio, en la Calle Pelayo de Madrid:

"Florinda es una pintora cordobesa que colgó su toga y dejó su productivo estudio de abogada para dedicarse en cuerpo y alma a la pintura. Los retratos hiperrealistas de florinda tienen reconocido prestigio ya en Córdoba. y con seguridad con esta exposición este prestigio se extenderá. Sus lienzos impactantes por sus generosas medidas, técnica, realismo, sensibilidad y color, nos atrapan desde el primer momento."

Muchas gracias a Carmen Muñoz por esta recomendación y por enviarnos una foto de la artista en el día de la inaguración, a la que deseamos muchisima suerte en su carrera artística, aunque viendo sus obras le vaticinamos un futuro prometedor.


viernes, 21 de octubre de 2016

Reporter@s en... "Exposición antológica de Equipo Crónica"


La fundación Bancaja ofrece en Valencia una estupenda retrospectiva de Equipo Crónica, a la que nuestra seguidora Reme Vila, junto a un grupo de amig@s, ha tenido la suerte de asistir y disfrutar:

"Todas y cada una de las obras son espectaculares, te puedes tirar medio día con cada una de ellas, tratando de desvelar mensajes ocultos... vamos como el Bosco pero el siglo XX. Es impresionante, apabullante el gran formato, no se... yo voy a repetir y espero poder ir a una visita guiada y prometo contar más entonces. Hay una cantidad de obras enorme, no basta con una visita, sin duda"

Uno de sus acompañantes a la exposición, Marcos Faccio, nos escribía esta estupenda mini-reseña:

"La exposición es espectacular, con obras que quizás no se conocen tanto del grupo. Realmente, es como comenté, en una España de aquellas décadas, es interesante ver como el grupo se vincula con la corriente pop inglesa de Hamilton y hasta de Estados Unidos (Andy Warhol). Existe en cada obra un gran discurso, ya sea implícito o subliminal, y hasta demasiado explícito o arriesgado para aquellos tiempos. Estos mensajes políticos o contenidos sociales, que ahora descansan de la represión del franquismo, nos dejan obras de amplitud cromática, colmadas de reseñas de obras de grandes maestros de la pintura y a su vez, hasta se podrían ver alusiones a autores más contemporáneos, como Hopper. La verdad es que visitarla es realmente un goce estético, con un pop muy particular y original, y a su vez e indudablemente, una alternativa al informalismo europeo. La introducción de elementos metafísicos (Chirico entre otros) me recuerda a la responsabilidad del artista de Jean Clair, a esa alternativa de la vuelta al orden, de sumergirnos en un discurso comprometido y de la melancolía. Para mi, que he asistido a varias obras del grupo, esta ha sido una de las mejores"

Muchísimas gracias por vuestras opiniones y comentarios tan enriquecedores, que hace que tengamos muchas más ganas de ir de la que ya teníamos!!! Os dejamos aquí el enlace que Bancaja ha dejado en flickr para que podáis ver algunas imágenes... Si tenéis la oportunidad, no os lo perdáis!!!

jueves, 20 de octubre de 2016

Las claves del Pop Art: Episodio III

Después de habernos introducido en los inicios del Pop Art en Inglaterra y su época de esplendor en Estados Unidos, llega la hora de ver qué pasó en España con este Arte tan peculiar y llamativo, porque recordemos que aquí se vivía en plena época franquista, con todo lo que eso suponía para el ambiente artístico del momento. 
Luis Gordillo
"Gran cabeza" (1965)

Efectivamente, el régimen represor de Franco consideró las vanguardias artísticas como decadentes, e intentó "fabricar" un tipo de Arte genuinamente español: realista, religioso y glorioso, que no llegó a fraguar. Cuando el caudillo comprendió que debía abrirse al mundo exterior y entrar a formar parte de la ONU, no tuvo más remedio que mostrar síntomas de modernidad, por ejemplo apoyando ese Arte abstracto tan en boga en Estados Unidos, que en España apareció en forma del movimiento informalista (podéis leer más sobre este tema aquí). Esto, que en un principio fue acogido por la gran mayoría de artistas como un billete a la libertad, se convirtió en pocos años en otra forma más de dirigismo político, es decir, era un tipo de Arte auspiciado desde el régimen y, como reconocieron algunos de sus artífices, "vació de contenidos".

Aunque esta opinión es muy discutible, el caso es que hubo muchos ejemplos de artistas que trasmutaron su lenguaje informalista hacia una figuración narrativa, como es el caso de Luis Gordillo (Sevilla, 1934), que planteó sus nuevas propuestas reinterpretando el Pop Art desde la mirada del cine, de la música y del psicoanálisis. De hecho, sus Cabezas son el resultado de sus sesiones de psicoanálisis en Madrid, tras las que, según él mismo admite, empieza a creer por primera vez en que podría ser pintor (gracias Freud!).
Eduardo Arroyo
"Le Meilleur Cheval du monde" (1965)

Pero si hay algo que caracteriza a los creadores del Arte Pop en España es su dimensión política y reivindicativa, es decir, lejos de esa imagen ingenua, frívola y pueril del Pop extranjero, los artistas españoles fueron muy críticos con la situación política y social del momento, poniendo la imagen al servicio de la sociedad. Tal es el caso de Eduardo Arroyo (Madrid, 1937, periodista, escritor y antifranquista convencido, tuvo que exiliarse a París donde desarrolló su imaginario antidictatorial, que tiene en la representación del uniforme un "leitmotiv" para expresar el ejercicio del poder, sin tener que recurrir al retrato propiamente dicho, como vemos en "La chaqueta de Stalin" (1964) o en la serie "Le Meilleur Cheval du monde" (1965).

Equipo Crónica
"La salita" (1970)
Menos sutiles en su crítica fueron los dos grupos de artístas más genuinamente Pop del panorama artístico español: Equipo Crónica y Equipo Realidad, nacidos tras la desintegración del movimiento cultural valenciano "Crónica de la Realidad".

Equipo Realidad
"El entierro del estudiante Orgaz" (1966)
Equipo Crónica estuvo formado por Manolo Valdés, Rafael Solbes y Juan Toledo, aunque este último sólo se mantuvo en el grupo un año, y estuvieron activos entre 1964 y 1981, año del fallecimiento de Rafael Solbes. Su obra mezclaba la estética Pop con los mass media y la Historia del Arte, añadiendo elevadas dosis de humor e ironía, que escondía una profunda crítica social y política. Trabajan en series, variando un mismo motivo de manera que en la lectura conjunta de cada serie se puede leer claramente la opinión y visión que el Equipo tenía sobre la España del momento. Es característico de Equipo Crónica encontrar referencias a los clásicos del Arte, como Velázquez, El Greco o Goya, pero también artistas contemporáneos como Picasso o Lichtenstein, descontextualizando sus personajes, espacios y objetos, para dotarlos de nuevas lecturas, siempre al servicio de la crítica social.

Equipo Realidad
"Reina por un día" (1969)


En cuanto a Equipo Realidad, formado por Joan Cardells y Jorge Ballester, estuvo activo entre 1966 y 1976, reflejando la situación política del momento, una pre-democracia que estaba tardando mucho en llegar y tenía demasiados mártires, como el estudiante de "El entierro del estudiante Orgaz", donde vemos que, del mismo modo que hacía Equipo Crónica, recoge elementos clásicos de la Historia de la Historia del Arte y los adapta a la crítica antifranquista. Otro de los discursos más llamativos de Equipo Realidad es el papel de la mujer en la sociedad española de los 60, una mujer objeto que era exhibida como un elemento más de la casa y utilizada en el escaparate político y social...





Rafael Canogar
"La policía en acción" (1969)
Todos los anteriores son los ejemplos más significativos de artistas considerados Pop, aunque podemos encontrar muchos otros que se dejaron influir, en mayor o menor medida por este movimiento artístico. Para que sirva de muestra, se puede mencionar a Rafael Canogar, quien después de abandonar el informalismo se dejó llevar por el realismo, pues lo consideraba una herramienta mucho más adecuada para trasmitir lo que su conciencia como ciudadano le dictaba. Desde mediados de los años 60, podemos atisbar en muchas de sus obras reminiscencias de este Arte Pop, ya sea en el fondo o en la forma, es decir, ya sea en el mensaje crítico ante la sociedad del momento, ya sea en las características formales de la obra, como ocurre en "La policía en acción", en la que, como si de una viñeta de cómic se tratara, unos personajes que no son más que sombras negras destacadas sobre un fondo amarillo, representan un arresto policial.

Y ya empezado el siglo XXI el Pop Art sigue vigente en España, últimamente tristemente en boga con el escándalo en torno a Antonio de Felipe, en el que no queremos entrar y obviaremos para disfrutar de su obra gráfica, abiertamente Pop y que aporta, cuanto menos, colorido al panorama actual del arte... Con todo lo que habéis leído en las tres entregas sobre el Pop Art, esperamos que veáis la obra de Antonio de Felipe con ojos críticos, pero sobre todo... disfrutad!!!

Antonio de Felipe
"Infanta naranja, infanta limón"
S.G.

miércoles, 12 de octubre de 2016

¿Quieres ser nuestr@ reporter@?

Quiero más Arte online nació con el ánimo de divulgar y compartir a través del universo internauta todo lo relacionado con el mundo del Arte, por eso nos encantaría estar en todas las exposiciones, galerías, museos y eventos culturales de todo el mundo... ¿Quieres ayudarnos? ¿Quieres ser nuestr@ reporter@ cultural?

Si en tu ciudad hay una exposición que creas que merece la pena visitar, un museo con un artista que te entusiasme, una galería que otorge oportunidades a nuevas promesas... compártelo con nosotr@s!!! No tenemos el don de la ubicuidad, pero tenemos al alcance de tod@s la herramienta adecuada para compartirlo todo: Internet!!!

sábado, 1 de octubre de 2016

Me ha salido un... MONET!!!

La ganadora del mes de septiembre es Susana Codón con estos nenúfares... Ya sabéis que Monet reprodujo en muchas ocasiones estas plantas acuáticas, en concreto realizó unas 250 obras!!! Todas únicas, todas diferentes, todas espectacularmente bellas...



martes, 27 de septiembre de 2016

El turismo es un gran invento


Paco Martínez Soria ya se dió cuenta, allá por 1968, que el turismo era un gran invento pero... ¿Cuándo empezó este fenómeno? ¿Quiénes fueron los primeros turistas? ¿Qué visitaban y con qué finalidad?
Pompeo Batoni
"Charles Cecil Roberts" (1778)

Podemos remontar el origen al siglo XVII, no porque antes no se viajara, sino porque fue en este momento cuando los jóvenes adinerados de la época, británicos principalmente, se lanzaron a explorar Europa en busca de nuevas experiencias. Fue lo que se conoce como el Gran Tour, de donde se deriva nuestro moderno turismo, cuya finalidad era, en principio, educativa: conocer otros países, otros idiomas, otras costumbres, era fundamental para completar la educación de cualquier joven aristócrata. Pero también aprovechaban para hacerse con diferentes tipos de "souvenirs", entre las que predominaban obras de arte y piezas arqueológicas que, una vez en su país, eran exhibidas en sus reuniones sociales. Este trasiego de piezas artísticas tuvo un inmediato efecto: la propagación de nuevos estilos y tendencias, además de nuevos motivos iconográficos que empezarían a hacer acto de presencia en todas las artes plásticas europeas, motivos estos que se reproducían de aquellas pinturas y grabados traidos de esos viajes, además de ejemplares de fauna y flora que los más osados se aventuraban a meter en sus equipajes.
Giovanni Paolo Panini
"Antigua Roma" (1757)

Paso obligado era Italia, por su importancia histórica y artística, que la hacían destino de muchos amantes del Arte y aspirantes a artistas; y en concreto Roma, considerada cuna del Arte clásico y del conocimiento latino...

Por lo tanto, podemos decir que esos primeros viajeros realizaban un turismo cultural que ahora, cuatro siglos después, se está volviendo a poner de moda, después de haber pasado por un concepto turístico de sol, playa y bikinis que tanto gustaban al gran Paco Martínez Soria...

S.G.

domingo, 18 de septiembre de 2016

#GCultural2016: Conclusiones Mesa 1

En la videoconferencia de la mesa 1 celebrada el viernes 16 de septiembre, pudimos escuchar las intervenciones de algunos grupos que apuestan por proyectos de cultura libre, proyectos muy interesantes que actualmente se están elaborando pero que generan toda una serie de interrogantes que versan principalmente sobre los tipos de licencias que manejan y sobre la sustentabilidad de los proyectos.

La mesa empezó con la intervención de la Asociación Panorama 180 en la voz de Andreu Meixede, coordinador de BccN Barcelona Creative Commons Film Festival, pionero en nuestro país del fomento del uso de las licencias Creative Commons. Su primera aportación, de un tono un tanto pesimista, fue sin embargo muy acertada: "La cultura no está en el ADN del sistema que nos gobierna". Todos los participantes compartieron con sus experiencias esta misma idea, pues todos tienen que lidiar con las instituciones públicas y entrar, aún sin quererlo, dentro su órbita de actuación. Sin embargo, y como bien apuntó Rodrigo Savazoni, la idea de autonomía es clave en cualquier proyecto de cultura libre, y no solo con respecto a la Administración sino también en lo que respecta a sus métodos de financiación, es decir, la sustentabilidad.

Esta cuestión ocupó la mayor parte del debate pues, en definitiva, todos estos proyectos de cultura libre o abierta se basan en acercar la cultura a tod@s de la manera más fácil posible, tanto desde un punto de vista cualitativo como cuantitativo. Los ponentes aportaron, desde sus diferentes experiencias, recursos como el crowfunding, el empleo de recursos cruzados y el aprovechamiento de internet, aunque todos estaban de acuerdo en que la total aceptación de una cultura libre y abierta, y con ello una adecuada sostenibilidad, tiene que proceder de un profundo cambio en nuestras instituciones y en las mentalidades ancladas en un sistema capitalista en el que nada puede ser gratis, incluso teniendo derecho a ello, como es el caso del acceso a la cultura.

Además de la mencionada Asociación Panorama 180, los aportes de Mapas Culturales desde Brasil, Desbordes desde La Patagonia, Ediciones la Terraza también desde Argentina y Laboratorios ciudadanos desde Brasil, hicieron un debate muy interesante y productivo, que demostraron que una cultura abierta es posible... Gracias!!!

martes, 13 de septiembre de 2016

Las Claves del Pop Art: Episodio II

Robert Rauschenberg
Retroactive I (1963)
En la primera entrega de las claves del Pop Art, nos quedó claro que los padres de esta singular propuesta artística se encuentran en Inglaterra, sin embargo a nuestra cabeza vienen imágenes de las Marilyns, la sopa Campbell y las viñetas de cómic exageradamente grandes, ¿por qué? Pues porque es indudable que para fabricar y exportar espectáculo Estados Unidos se lleva la palma y Andy Warhol será su principal embajador.

Pero antes de él hubo una primera oleada pre-pop, todavía ligada a la abstracción pero con unos contenidos radicalmente diferentes, esto es, se pasa de la búsqueda de la expresión individual y personal del artista y sus reflexiones sobre la acción de pintar y el espacio (como hacían Pollock y Rothko), a un abierto interés por temas banales y objetos cotidianos que nos recuerdan a lo visto en el Pop británico, como son las imágenes sacadas de revistas y periódicos de Robert Rauschenberg o la serie de Banderas de Jasper Johns. Esta fascinación por la imaginería popular y la búsqueda del objeto fetiche está en la base de la época “dorada” del Pop Art americano, en la que se desarrolla una auténtica cultura en torno al objeto… o quizás deberíamos decir “culto” al objeto?
Jasper Johns
Flag (1967)

The Factory
Efectivamente, y como de auténticos exvotos se tratara, Estados Unidos estuvo inundado durante la década de 1960 por imágenes de Coca-Cola, de Marilyn Monroe y de Sopas Campbells, no sólo en la publicidad, en la televisión y en las revistas, sino también en galerías y museos. Su artífice, Andy Warhol, decía: “Si pinto de esta manera es porque quiero ser una máquina”, porque efectivamente su trabajo pasó rápidamente a estar más próximo a la fabricación industrial que a la artesanal o manufacturada, más propia de los artistas británicos. Desde 1963 Warhol se instala en lo que llamó “The Factory”, un lugar muy peculiar donde el excéntrico artista realizaba de día sus famosas litografías y serigrafías, y de noche se convertía en el epicentro de escandalosas fiestas donde se reunían personajes de lo más variopinto.
Andy Warhol
Latas de sopas Campbells (1962)

Claes Oldenburg
Teléfono blando (1963)
Indudablemente Andy Warhol fue un artista muy controvertido, que provocó críticas y debates sobre su trabajo y su papel como artista, pero hay que valorar su propuesta dentro de un contexto de apogeo de un consumismo feroz, en el que el Arte también tenía derecho a entrar y ser partícipe… el Pop Art de Warhol consistía, no en pensar con las obras, sino simplemente vender imágenes…

Pero no todo el Pop Art americano se reduce a Warhol, aunque la principal característica va a seguir siendo ese culto al objeto cotidiano que, en el caso de Claes Oldenburg, son sometidos a una doble metamorfosis: altera su tamaño y cambia el material del que están hechos originalmente, todo ello para enseñarnos a ver el mundo de otro modo. De esta manera, nos encontramos con cucharillas gigantes o teléfonos blandos, además de un gran número de pequeñas piezas de diferentes alimentos realizados en escayola y que llegó a comercializar en The Stone, un lugar que tiene cierta semejanza con The Factory de Warhol, aunque seguramente menos ruidoso…
Claes Oldenburg
Pastry case (1962)

Roy Lichtenstein
Image duplicator (1963)
Pero, ¿dónde están esas enormes imágenes salidas de los cómics y quién las hacía? El artífice fue Roy Lichtenstein, que las escogió como principal asunto iconográfico por un doble y paradójico motivo: esa técnica fría e impersonal del trabajo de imprenta que, sin embargo, transmitía una gran carga emocional en sus temas. Al igual que sus coetáneos, para Lichtenstein el Arte era también un objeto más de consumo, pero lejos de seguir un procedimiento industrial como hacía Warhol, y como sus pinturas aparentan, sus obras esconden el trabajo de un pintor tradicional. Escoge una imagen, un personaje, una situación, y como si usáramos una lupa cuando leemos un cómic, lo traslada a un formato mayor, de manera que se pueden ver los característicos “puntitos” del trabajo de imprenta tradicional.

También debemos mencionar en esta etapa madura del Pop Art estadounidense, la figura de Mel Ramos y sus características “pin-ups” que aparecen publicitando productos de gran consumo... como si ellas mismas también lo fueran.












George Segal
Conductor de autobús (1962)













A mediados de los años 60 la estética Pop estaba ya tan extendida que empezó a ampliarse la temática y el estilismo hacia otros derroteros, menos glamourosos y más cercanos a la vida cotidiana del americano medio. En esta última fase nos encontramos a artistas como George Segal y Marisol Escobar, que se alejan de esa imagen alegre, optimista y banal que había difundido el Pop americano, y analizan al ser humano de una forma más trágica, por no decir más real: las Marilyns, la Coca-Cola y las pin-ups, dan paso a conductores de autobús, inmigrantes, indigentes y, en definitiva, miembros también de pleno derecho de ese mundo capitalista y consumista que vendía felicidad a través de imágenes.

Marisol Escobar
Mujeres y perro (1962)

Y ¿cómo se vió y se canalizó todo esto desde nuestra España franquista?  
To be continued...

lunes, 12 de septiembre de 2016

Primer Congreso Online de Gestión Cultural

Hoy arranca el Primer Congreso Online de Gestión Cultural, en el que se tratarán temas como herramientas Tic, proyectos culturales digitales,espacios culturales en la red, etc...
Si te interesa la difusión de la cultura online, no puedes perdértelo! Podéis seguir sus mesas de debate en directo a través del canal de youtube de Ártica:
Esta noche se inagura a las 21:00 (hora española)...


Estaremos atent@s...

viernes, 2 de septiembre de 2016

Cambio en los requisitos

Antes de nada agradeceros vuestras estupendas fotografías, que no hacen sino demostrar que todos lleváis un artista dentro. Sin embargo, algunas de esas fotos no cumplían uno de los requisitos: la imagen debía estar tomada del natural, sin haber sido alterada... Pero no hemos podido resistirnos al talento y al esfuerzo de much@s de vosotr@s y hemos decidido eliminar ese requisito, con el que nos hemos dado cuenta que lo único que hacíamos era limitar vuestro enorme ingenio.

Por ello, queremos hacer una mención especial a Inmaculada Gordillo y su "Me ha salido un...VAN GOGH". Gracias y felicidades a ti y a ese Van Gogh tan guapa!!! 

jueves, 1 de septiembre de 2016

Me ha salido un... JOAQUIN SOROLLA!!!

Ganadora del mes de agosto... Sonia Codón!!


¡Muy buen trabajo, Sonia!
Este mes la decisión ha sido complicada. Gracias por vuestras creaciones y... A POR EL MES DE SEPTIEMBRE!

miércoles, 24 de agosto de 2016

Las claves del Pop Art: Episodio I

Paolozzi
"Fuí el juguete de un hombre rico"
Con motivo de nuestra visita a la exposición "Reflejos del Pop" en el Thyssen de Málaga, os prometimos en nuestra breve reseña que os daríamos las claves para entender y disfrutar de este singular movimiento artístico. Pues bien, aunque muchos creáis que todo empezó en Estados Unidos con Andy Warhol y sus Marilyns o sus botes de sopa Campbell, no es así... De hecho, hemos decidido realizar tres entregas sobre las claves del Pop Art, porque hay mucho que decir sobre él a pesar de su apariencia trivial y pueril.

Los inicios del Arte Pop se deben localizar en Inglaterra, de la mano de un grupo de artistas que nacieron durante o después de la I Guerra Mundial y que no habían experimentado directamente sus horrores, por lo que empezaron a rechazar la austeridad y hermetismo que caracterizaba al informalismo europeo y que sí eran consecuencia de las vivencias de la Guerra… La recuperación económica de los años 50 llevaba al mundo a una nueva era de consumismo. Aunque no se puede considerar un grupo homogéneo, estos artistas empezaron a interesarse por la cultura más popular, es decir, el cine, la moda, la música, así como las nuevas tecnologías, que estaban modificando los modos de vida cotidianos.

¿Qué es lo que hace a nuestros hogares
de hoy tan diferentes, tan atractivos?
Aunque ya Paolozzi anuncia el Pop Art con su obra "Fuí un juguete de un hombre rico" en 1947, en la que aparecen clichés como la Coca-Cola, lo militar y el diseño de cómic, se considera como primera obra Pop un cartel que Richard Hamilton realizó para la exposición "This is tomorrow" de 1956, que no fue otra cosa que una recreación de 12 espacios, a modo de happening, realizados conjuntamente por pintores, escultores y arquitectos. Dicho cartel, que recibe el nombre de "¿Qué es lo que hace a nuestros hogares de hoy tan diferentes, tan atractivos?", contiene toda una acumulación de clichés perfectamente reconocibles por su cotidianedidad: la televisión y la aspiradora último modelo, el salón amueblado a la última moda, los personajes sacados de algún spot publicitario... y, como curiosidad, ¿os habéis dado cuenta que la palabra "Pop" aparece en la escena? Había nacido el Pop Art!

Si queréis saber quién aparece
en la portada clicka aquí
El propio Hamilton dió las claves de este nuevo movimiento, cuando lo calificó como "popular y destinado a un público amplio, pasajero y efímero, fácil de consumir y de olvidar, barato, producido en serie, joven y querido por la juventud, espiritual, sexy, llamativo, simpático, un negocio redondo". Precisamente por todo ello, fue un tipo de Arte que a la gente de a pie le encantó, sin embargo en la crítica artística no fue muy bien recibido... una muestra más de que la opinión de los críticos va por caminos insondables para las mentes mundanas como las nuestras...

Opiniones aparte, Inglaterra vió nacer muchos artistas considerados Pop y que, navegando un poco por internet o por las olvidadas bibliotecas, podéis encontrar sin dificultad, pero aquí consideramos fundamentales en el desarrollo del Arte Pop, dentro y fuera de Inglaterra, junto a Hamilton por supuesto, a Peter Blake y David Hockney... ¿Por qué?

Tienda de juguetes
Peter Blake saltará a la fama con la creación de la cubierta del disco de The Beatles "Sargent Pepper´s" (1967), en la que podemos ver posando, junto al grupo musical, a toda una serie de personajes populares del cine, la televisión y el espectáculo, incluso Edgar Allan Poe no se ha querido perder el acontecimiento. Pero lo que caracteriza a Blake es principalmente el trabajo manufacturado de sus obras Pop, como su "Tienda de juguetes", un assemblage que hace las veces de retrato del artista, en cuanto que el escaparate está lleno de objetos y juguetes que han sido importantes en su vida, pero que son fácilmente reconocibles por el gran público, pues no dejan de ser referencias a la sociedad de consumo.

El otro referente del Pop Art británico es David Hockney, cuya pintura será un gran diario íntimo pues buscaba un lenguaje personal en sus pinturas partiendo de sus experiencias personales. Sus obras más conocidas fueron realizadas después de su traslado a California, a partir de 1964, donde realizaría su serie dedicada a las piscinas.

De todos estos precursores del Pop Art podemos entresacar unas características generales, que nos ayudarán a la interpretación de sus obras y, posteriormente, ponerlos en relación con la producción de artistas estadounidenses y españoles:
- Interés por los medios de masas y la cultura popular: cine, música, televisión, revistas…
- Máxima prioridad a la imagen, pero siempre una imagen frívola e intrascendente (al menos en apariencia).
- Uso de colores vivos, alegres y llamativos.
- Son obras manufacturadas, es decir, realizadas por las manos del artista (esto que parece una obviedad veremos que en el Pop Art estadounidense no era así).

Tened presentes estas claves desarrolladas aquí, pero todavía hay mucho que decir sobre el Pop Art…

S.G.

viernes, 19 de agosto de 2016

El Bosco que habita en nosotros

El Bosco. "El carro de heno" 1502
Este artículo no es otro artículo sobre las claves del universo bosquiano, intentando desentrañar su personalidad artística y su misterioso juego iconográfico. Porque, siendo objetivos, ¿qué sabemos con total certeza sobre El Bosco? Muy poco o nada. Casi todo lo que creemos conocer de él se fundamenta en datos sueltos, breves noticias e interpretaciones de lo más dispares entre si. El propio Gombrich, en su famosa Historia del Arte de 1950, ya dedicaba estas palabras al artista:

"... uno de esos pintores acerca de quien es muy poco todo lo que se sabe..."
Detalle panel derecho de El jardín de las delicias.
Desde entonces, muchos se han adentrado en el universo de esta "rara avis" de su época: Fernando Marías, Joaquín Yarza Luaces, Stefan Fischer o Reindert Falkenburg, que dirigirá la VI Cátedra del Prado 2016: El arte de Jheronimus Bosch "el Bosco" (h.1450-1516) y de Pieter Bruegel (h,1525-1569), son solo algunos ejemplos.

Mucho antes que ellos hubo otros exégetas, relativamente próximos a su tiempo, que se interesaron por la naturaleza del éxito de este enigmático artista:   
Karel van Mander (1548-1606) recopiló poco más de dos páginas con esbozos sobre su vida, enumeró algunas de sus obras y aportó algún aspecto sobre su técnica; Antonio de Beatis, acompañando al cardenal Luís de Aragón en su viaje a los Países Bajos (en 1517) para reunirse con Carlos V, contempló El jardín de las delicias (cuyo propietario por entonces era Enrique III de Nassau) describiéndolo en estos términos:

"... hay algunas tablas con diversas bizarrías... donde unos salen de una concha marina, otros defecan grullas, hombres y mujeres... cosas tan placenteras y fantásticas que en modo alguno se podrían describir..."

 O Fray José de Sigüenza (1544-1506), fiel consejero de Felipe II, quien afirmó de el Bosco:

"... los demás procuraron pintar al hombre cual parece por defuera; este solo se atrevió a pintarle cual es dentro..."


LOS LUGARES COMUNES DEL ARTE

Pues bien, después de cinco largas centenas aún seguimos admirando a un desconocido conocido por todos... paradojas que tiene la Historia del Arte. Por tanto, y aunque este comentario pueda enfurecer a muchos, cualquier hipótesis con cierto fundamento a propósito de nuestro artista podría resultar plausible, incluso la tan denostada conjetura de Wilhelm Fraenger (1890-1964) sobre la pertenencia de el Bosco a la herética Hermandad del Libre Espíritu. 

Así que no, este artículo no tratará ninguno de esos aspectos, sino que va a sumergirse en la atracción, la fascinación y la vigencia que la obra de
Jheronimus van Aken, el Bosco, ha tenido y tiene en la Historia del Arte. Lo que de el Bosco habita en nosotros...

Ante esto cabría preguntarse: ¿qué nos seduce tanto de él y su universo simbólico?, ¿por qué ese irresistible magnetismo?. La respuesta es tan antigua como antiguo es el mundo: porque a los seres humanos nos atrae lo desconocido, lo que escapa de nuestro control y nuestra razón no puede comprender. Aquello que los románticos de finales del siglo XVIII y XIX llamaban "experiencia de lo sublime", y que abordaba conceptos como: el terror, el placer del dolor, el gozo perverso que produce la contemplación de lo desagradable, la delgada línea que separa lo monstruoso de lo cómico y la insignificancia del ser ante las fuerzas superiores. Una práctica que sólo puede llevarse a cabo desde lo más profundo del alma.

El antropólogo Carmelo Lisón Tolosana escribe en su obra La España mental: el problema del Mal (1990), que artistas como el Bosco o Goya representaban “estados extremos de experiencia como metáforas de la angustia intemporal”, todo con el fin de comprender nuestra finitud como seres mortales. A través de la fantasía a nuestra razón le resulta menos complicado entender estos asuntos, ya que normalmente huye de cuestiones metafísicas. Y concluye diciendo: 

lo inconmensurable es para el Arte, no para la Ciencia”.


EL BOSCO A TRAVÉS DE LA HISTORIA DEL ARTE

Los artistas a lo largo de la historia, han explorado estos estados del alma y han creado imágenes que desvelan al resto de espectadores la naturaleza de lo espantoso, de lo extraño, de lo fantástico... Al dotarles de forma, exorcizan de alguna manera esos demonios que acechan el pensamiento.

Después de el Bosco, fue quizás Pieter Brueghel el Viejo (1525-1569) quien mejor ahondó en estos aspectos, naturalmente muy imbuído por la obra del protagonista de nuestro artículo. Sus pinturas también han sido interpretadas bajo muchas premisas (en clave religiosa, política, social...) Aunque, como observa Valeriano Bozal en su introducción a Lo cómico y la caricatura de Baudelaire, lo grotesco no tiene que tener esencialmente un fin moral o crítico, sino que puede ser sencillamente un ejercicio de libre expresión. Parece que Brueghel se complacía en representar esas violentas escenas, se regodeaba en ellas sin más.

Generalmente lo situamos representando escenas cotidianas de la vida de los campesinos flamencos, con una gran carga anecdótica, pero en este caso aborda el tema bíblico de la caída de los ángeles rebeldes. Las figuras siguen teniendo esa tratamiento tardo-gótico de extremo detalle (representa cada textura, cada poro, cada pluma o veta), pero en lo que se muestra diferente a su tradición, y muy cercano a el Bosco, es en la visión panorámica de la escena. No existe un personaje principal, una acción preponderante que marca el orden de las escenas secundarias. Todo tiene una visión de conjunto, un ritmo vertiginoso en el que se hace necesario parar para apreciar cada pequeña figura, cada pequeña acción que se sucede de manera simultánea al resto. Por supuesto hace gala de un catálogo de seres híbridos, metamorfosis animales, medio bestias, medio vegetales... Y de colores brillantes y vivos que refuerzan aún más si cabe la sensación de estar envueltos en un mal sueño o pesadilla.
Pieter Brueghel. "La caída de los ángeles rebeldes" 1562

Dando un salto en el tiempo hasta finales del siglo XVIII y el siglo XIX, volvemos a sentir la influencia de el Bosco de forma muy viva en los artistas. Hogarth (1697-1764) en Inglaterra y Grandville (1803-1847) en Francia, se sirvieron del lenguaje bosquiano para hacer una crítica a los vicios sociales y morales de su época. Utilizaban un marcado carácter caricaturesco, ridiculizando los estamentos sociales a través de: el gesto, la mueca, acciones absurdas, la degradación física de los personajes y las figuras zoo-antropomorfas.
A la izquierda: grabados de Grandville, 1829; a la derecha: Hogarth. "El callejón de la ginebra" 1751

Pero quizás, las personalidades más sobresalientes de este momento fueron William Blake (1757-1827) y Francisco de Goya ((1746-1828). Blake es el artista romántico por antonomasia. Poeta, pintor y grabador, vivía entre la tragedia que era su propia existencia (murió en la más absoluta miseria, enfermo y falto de cualquier reconocimiento artístico) y su espíritu místico y visionario que le llevó a aventurarse en proyectos en los que conjugaba su faceta literaria y como dibujante, por ejemplo: Cantares de Inocencia (1789) o Jerusalem (1804). Pero también ilustró la obra de otros poetas y escritores. Es el caso de su último trabajo, La Divina Comedia de Dante (1825-27), que no llegó a concluir y de la que sólo se conservan siete grabados completos, de los 102 proyectados inicialmente. 
Blake. "Nicolás III en el Infierno" 1824 ; El Bosco. Detalle "Infierno"
Aunque los volúmenes de sus figuras nos llevan hasta Miguel Ángel, el tratamiento de los temas, el simbolismo que emerge de ellos, la deformación de sus representaciones... son inequívocamente reminiscencias de el Bosco. El grabado del papa simoníaco Nicolas III, condenado a permanecer en un agujero de fuego boca abajo por toda la eternidad, nos remite a algunas de las escenas de infiernos de El jardin de las delicias o El carro de heno.

De su contemporáneo Goya, Baudelaire escribía:

“... hay algo en él que recuerda esos ensueños periódicos o crónicos que asedian regularmente nuestro sueño... El gran mérito de Goya consiste en crear lo monstruoso verosímil... todas esas caras bestiales, esas muecas diabólicas, están imbuídas de humanidad... es a un tiempo transcendente y natural
 "EL aquelarre";
"Grande hazaña con muertos"; "El sueño de la razón produce monstruos"

Su serie de Los Caprichos (1792-1799), Los desastres de la guerra (1810-1815) o las denominadas Pinturas negras (1819-1823), realizadas en los muros de su casa de la Quinta del Sordo, contienen elementos del lenguaje iconográfico de el Bosco (visiones nocturnas, deformaciones de la realidad, figuras caricaturizadas, seres híbridos y simbólicos...) Pero así como en el holandés hablábamos de una lectura satírica que busca la reconvención moral desde el humor negro, en Goya se aprecia una expresión pesimista de los temas, un juicio inexorable a los males de los que adolece su mundo: las terribles consecuencias de la guerra, la crítica a la doble moral, a la corrupción política, la superstición...

Por supuesto se quedan en el tintero otros nombres como Flaxman, Fuseli, Delacroix, Doré... pero sería imposible abarcar la impronta de nuestro genial holandés en esos casi dos siglos de creadores.

Redon. "Diablo llevando una cabeza" 1876
En un estilo indeterminado, a caballo entre el Simbolismo y el Surrealismo, encontramos a  Odilon Redon (1840-1916). Contemporáneo de los impresionistas, con los que incluso llegó a exponer en 1886, su personalidad artística iba en otra dirección. En este sentido, pueden hallarse muchos paralelismos con el Bosco: ambos pintaban escenas fantasiosas, misteriosas y oníricas, cargadas de humor negro; los dos llevaban trayectorias equidistantes con respecto a sus colegas pintores; y fueron apreciados por los surrealistas como precursores del movimiento.







EL BOSCO Y EL SURREALISMO

El Bosco ha sido objeto de inspiración para románticos, simbolistas, prerrafaelitas... pero en todos estos movimientos su impronta se hallaba más o menos reconocible. Serán los surrealistas los primeros en reivindicar la figura de Jheronimus Bosch como precursor indiscutible de su estilo. Algo así como un profeta artístico para ellos.

Desde que André Breton firmó en París el Primer Manifiesto Surrealista de 1924 y el Segundo Manifiesto Surrealista de 1929, muchos fueron los que pasaron por sus filas, se marcharon o simplemente experimentaron sus premisas: Arp, de Chirico, Ray, Klee, Masson, Miró, Picasso... Algunas de esas premisas pasaban por representar las imágenes del inconsciente generadas por lo que consideraban la “errónea interpretación de la realidad”. Este examen psicológico era para ellos una manera de equilibrar la razón en el mundo. El psiquiatra suizo Carl Gustav Jung (1875-1961), describía el proceso creativo de los surrealista del siguiente modo: 
 
...El proceso creativo, si es posible seguirlo en alguna forma, consiste en la activación inconsciente de una imagen arquetípica, a la que se elabora y da forma en un trabajo terminado... La imagen primordial en el inconsciente, que está mejor capacitada para compensar la visión inadecuada y parcial del presente... El artista puede descubrir qué imágenes compensan las necesidades inconscientes de su tiempo...”

No es de extrañar, por tanto, que el Bosco supusiese para ellos una fuente indispensable e incluso un maestro antecesor del movimiento.

Quizás fuese Salvador Dalí (1904-1989) la figura más popular de la corriente surrealista por razones obvias. 


Pero cabría destacar la sutileza e interpretación personal que del Surrealismo hizo la pareja formada por Max Ernst (1891-1976) y Leonora Carrington (1917-2011).

Max Ernst, fue uno de los pintores que, viniendo del Dadaísmo, se sumergió en la vanguardia surrealista y llegó a formar parte importante del grupo. Tenía una gran capacidad para crear a partir de técnicas inventadas por él mismo como el 'frottage', el 'grattage' o la 'decalcomanía'. Su lienzo de 1940-42 titulado “Europa después de la lluvia”, nos muestra una Europa devastada por la Segunda Guerra Mundial, con un paisaje rocoso que se asemeja mucho a los paisajes de el Bosco. Todo aparece en plena descomposición aunque parecen surgir algunas figuras de las rocas...
Arriba: Max Ernst. "Europa después de la lluvia" 1942
Abajo: Leonora Carrington. "Red horses of the Sidhe" 1996
Leonora Carrington, considerada por muchos la última superviviente surrealista (etiqueta de la que ella misma huía como de cualquier otro encasillamiento artístico, social o de género) bebía también de las fuentes del simbólico subconsciente y la colección de repertorios que el Bosco había dejado como legado. Sin duda su relación personal y profesional con Max Ernst, además de una ajetreada y nada convencional vida, marcaron su rumbo artístico. Juntos formaron una de las parejas de álter egos más conocidas de la Historia del Arte: Loplop y la Desposada del Viento, unidos para siempre por el arte. Su obra “Red horses of the Sidhe” de 1996, describe una leyenda mitológica irlandesa sobre unas hadas expulsadas a las montañas tras ser invadida Irlanda por los gaélicos. En definitiva, un tema que nos evoca los infiernos de “El carro de heno”, “El Juicio Final” de Viena o “El jardín de las delicias”, con personajes alados, híbridos de pájaros y una acción vertiginosa.


BOSCH IS “TRENDY”

Después de este recorrido se puede decir sin asomo de duda que el Bosco ha estado, está y estará simpre de moda. Y es así porque vivimos con una parte de él en nosotros, que ha crecido casi sin darnos cuenta en el imaginario colectivo, gracias a la reinterpretación de su universo que han hecho otros artistas y, por supuesto, a su extraordinaria obra. Lo más interesante es que su vocabulario visual es tan rico que puede interpretarse desde infinitas posibilidades:
Peter Witkin (1939) o los Hermanos Chapman (1966 y 1962), inciden en los aspectos más macabros y polémicos: la deformidad, el dolor, la oscuridad, la muerte, el sexo... todo aquello que rompa con 'lo correcto' y socialmente establecido.
Arriba: tres fotografías de Peter Witkin; Abajo: Los hmnos Chapman. "What the Hell I-IX"/"Fucking Hell" 2000-2003

Desde Los Ángeles (California) los “chicos underground” del Lowbrow art o Surrealismo Pop. La inmensa mayoría se encuentra fuera del circuito de las grandes galerías de arte y los museos contemporáneos. Construyen un mundo formal que aúna el Pop art con los maestros antiguos, y vienen de disciplinas tan dispares como el tatuaje, el cómic, la ilustración de libros e incluso algún autodidacta. Quizás estas circunstancias son precisamente las que les liberan de las cadenas del arte para enseñarnos un universo irreverente en el que aparecen arquetipos perturbadores, yuxtaposiciones de contrarios (almas inocentes infantiles y al mismo tiempo atormentadas e inquietantes), apariciones misteriosas, objetos de la cultura kitsch, narraciones complejas, temas mordaces (exentos de prejuicios y satíricos), recreación en la crueldad, el sexo...
Entre sus filas encontramos nombres como: Mark Ryden (1963), Todd Schorr (1954), Gary Baseman (1960) o Camille Rose García (1970) entre otros. 
Izquierda: Mark Ryden. "The Creatix" 2005; Derecha: Camille Rose García. "Now on Black Butterfly" 2010

Arriba: Todd Schorr "Dreamland"2004; Abajo: Gary Baseman "La noche de la fusión" 2009

Y por último, un grupo de artistas multidisciplinares y heterogéneos que, sin embargo, tienen en común recurrir a obras del pasado para reinterpretarlas, sustituyendo los elementos iconográficos religiosos, paganos (o de otra índole) de las obras originales por símbolos contemporáneos. Desde ahí exploran situaciones como la sociedad de consumo, las nuevas tecnologías, el arte popular digital y otros temas de actualidad. Uno de sus iconos recurrentes es, como no, el Bosco. En esta secuencia de imágenes vemos distintas interpretaciones de “El jardín de las delicias”: 
Arriba: Carla Gannis ttps://vimeo.com/109645144 "The garden of emoji delights" 2014
Abajo: Emily Erb "The garden of earthly delights" 2009

Arriba: Raqib Shaw "The garden of earthly delights" 2004; Abajo: Lluis Barba "El jardín de las delicias" 2007

Jheronimus van Aken, Jheronimus Bosch, Joen, el Bosco... El misterio más admirado de la Historia del Arte. Ahora, cada vez que os acerquéis a sus pinturas hacedlo con total libertad y el pensamiento abierto. En vosotros están todas las claves para interpretarlo. Y si aún así os resulta complejo, seguid estas sencillas instrucciones:
-Agitad bien vuestras mentes

-Poneos boca abajo (metafóricamente hablando, claro)

-Destapad el tapón del subconsciente...



Y dejaos llevar...


Iris G.



LO QUE PRESUMIMOS DE LA BIOGRAFÍA Y OBRA DE JHERONIMUS BOSCH


-Nació hacia 1450, en Hertogenbosch (Paises Bajos) de donde nunca salió (aunque algunos ven indicios de un posible viaje a Venecia)

-Murió el 9 de agosto de 1516. Sus hermanos cofrades se encargaron del sepelio ya que era un ciudadano bien considerado y famoso en la ciudad.

-Su abuelo, Jan van Aken (h. 1380-1454), su padre, Anthonius van Aken (h.1420-1478), y sus hermanos, eran también pintores y tenían un pequeño taller provinciano donde el joven artista debió formarse.

-Se casó en 1481 con la hija de un adinerado comerciante, Aleid van der Mynnen.

-En 1486 era miembro de la élite social de la ciudad, llegando a pertenecer a la Ilustre Hermandad de Nuestra Señora.

-Tuvo importantes clientes como Felipe el Hermoso, que le encarga un Juicio Final (1504) hoy desaparecido. Y fue también coleccionado por célebres personajes como Felipe de Guevara o Felipe II.

-Existen veintisiete obras que se creen salidas directamente de su pincel. También hay noticias de numerosas falsificaciones en su época.

-Se desconocen la mayoría de las fechas (pues tenía por costumbre no fechar sus pinturas), por lo que es difícil establecer etapas concretas en su obra. En general se habla de tres etapas muy imprecisas: 1) 1474-1485; 2) 1485-1510; 3) 1510-1516

-Pintaba en capas muy finas y veladas, que dejaban atisbar el fondo. Eso facilitó que fueran repintadas en muchos casos, por lo que supone también un handicap para su estudio. Su estilo se mueve entre la tradición de los primitivos flamencos, la influencia de artistas como Grünewald y su creación iconográfica personal, convirtiendo los elementos secundarios (grotescos, híbridos..) en personajes principales de sus cuadros.

-Sus fuentes iconográficas no son del todo conocidas, aunque se le supone cierta mezcla de pasajes bíblicos con el folklore holandés (refranes populares, historias, literatura de la época como “El barco de los locos” de Sebastian Brand de 1494...); bestiarios medievales, los mirabilia, márgenes de códices miniados (gryllas y drôleries góticas con una larga tradición desde la Antigüedad oriental, Grecia y Roma)

-Temas tratados desde: el humor, el simbolismo... El humor prevalece frente al horror, representaciones que provocan risa en lugar de temor aunque también sirven de reflexión sobre los pecados del hombre, los castigos del Infierno, con una vocación moralista y de devoción cristiana.

-Temas que invitan a la meditación íntima, la “devotio moderna” de finales del siglo XV y principios del siglo XVI. 
-El soporte por excelencia de sus pinturas es la tabla y el formato el tríptico.



REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS 

-Bango Torviso, Isidro; Marías, Fernando (1982):  Bosch. Realidad, símbolo y fantasía. SÍLEX 
-Baudelaire, Charles (2001): Lo cómico y la caricatura. Introducción de Valeriano Bozal. LA BALSA DE LA MEDUSA
-Fischer, Stefan (2016): Jheronimus Bosch. La obra completa. TASCHEN
-Gombrich, E.H. (2011): La Historia del Arte. PHAIDON PRESS 
-Holzwarth, H.W. (2016): Arte Moderno. 1870-2000. TASCHEN
-Kettenmann, Andrea (2013): Surrealismo. TASCHEN
-Lisón Tolosana, C (2004): La España mental: el problema del Mal. AKAL 
-Rosenblum, Robert; Janson, H.W. (1992): El Arte del siglo XIX. AKAL 
-Yarza Luaces, J (1998): El jardín de las delicias. T.F.EDITORES